VISITA A ESTUDIOS Y TALLERES DE ARTISTAS – CARABANCHEL

Descripción

Estudio Linarejos Moreno :

Uno de los estudios de artistas actuales más antiguos de Carabanchel, fundado en 2007 por Linarejos Moreno. La nave industrial era un taller que fue rehabilitada como casa-estudio conservando parte de la arquitectura original. El espacio es un reflejo de su trabajo, en el que conviven elementos industriales y productivos con lo humano y lo vivo. Hay una presencia muy importante de las plantas, que crecen de manera cenital entre las máquinas y objetos, a modo de invernadero. A lo largo de todo el estudio, se podrá ver una muestra del amplio trabajo de esta autora, que reflexiona sobre sobre las repercusiones de la ciencia, la tecnología, la industria, la productividad y el capital en la sociedad.

Estudio Berta López :

Berta López nace y muere habitualmente en Madrid.

Esta costumbre tan suya y las contínuas dudas sobre el destino de los recuerdos desembarcan juntas en Me Moría.

Tras inacabar arquitectura por apostasía y deserción, inicia un periplo de deriva que la mantiene desubicada y deslocalizada durante el resto de sus días, y de sus noches de un modo más rotundo.

Berta incluye la pintura, el grabado, la caligrafía, el collage, el tatuaje, la ortodoncia, el bordado, la fotografía, la plancha y la recogida hiperrealista entre sus labores.

Cuando empiezan a fallarle la memoria y faltarle las personas, Berta López adquiere la manía de registrar todo aquello que no quiere olvidar.

Habitante de los extremos, en su errática actividad entre el duelo y el vuelo, registra sus constantes muertes en sus gabinetes de curiosidades.

Hace un recorrido por cicatrices propias y ajenas, teje una maraña de recuerdos, posiblemente inventados, dando sentido a la búsqueda que la obsesiona, la pérdida, el olvido, la soledad, y en definitiva, la muerte.

La Gran :

La Gran es una galería de arte contemporáneo fundada en 2015 y ubicada en Carabanchel, Madrid, desde otoño de 2019. Representa y apoya la obra y la trayectoria de quince artistas (diez son mujeres) interesados por la interacción de los fenómenos estéticos con sus contextos sociales o políticos: Marina Núñez, Enrique Marty, Ignacio Pérez-Jofre, Laura Salguero, Luis Pérez Calvo, Elisa Terroba, Josep Tornero, María José Gallardo, Moreno&Grau, Verónica Vicente, Laura López Balza, Eva Díez, Ana Teresa Barboza, Cristina Ramírez y Javier Rodríguez Pino.

Zona Común:

Zona Común es un innovador espacio de creación artística ubicado en Carabanchel, Madrid, que nace de la colaboración entre diversos artistas, incluyendo a Patricia Mateo, Consuelo Chacón, Elsa Muñoz, Regina Pombo, Alejandro Botubol y José Luis López Moral. Este proyecto busca fomentar la interacción y el intercambio de ideas mediante la generación de un ambiente propicio para la experimentación artística y cultural.

Zona Común está situado en el barrio de Carabanchel en la Calle Nicolas Morales 38 planta tercera puerta 7 Madrid 28032.

El espacio cuenta con áreas multifuncionales, diseñadas para adaptarse a diferentes disciplinas artísticas como la pintura, la escultura y el arte digital. La infraestructura ha sido concebida para albergar talleres, exposiciones, lo que permite a los creadores desarrollar sus proyectos en un entorno colaborativo.

Artistas que estarán durante las visitas.

Consuelo Chacón.

En un mundo donde la percepción del paisaje ha evolucionado más allá de lo físico, Consuelo Chacón se erige como una pionera en la creación de metapaisajes que invitan a una reflexión profunda sobre nuestra relación con el entorno. Su obra se centra en la exploración del volumen, un elemento que no solo define la forma de sus creaciones, sino que también trasciende las fronteras tradicionales del arte para ofrecer nuevas experiencias sensoriales.

El volumen como elemento transformador

Chacón utiliza el volumen no solo como una técnica, sino como un medio de expresión que transforma la experiencia del espectador. A través de esculturas que juegan con la luz y la sombra, sus obras parecen cobrar vida, invitando a quienes las observan a interactuar con ellas de manera dinámica. Esta interacción efímera y personal es fundamental en la construcción del metapaisaje, un espacio que se sitúa entre lo interior y lo exterior, entre lo tangible y lo etéreo.

Metapaisajes: Un nuevo horizonte estético

Los metapaisajes de Chacón despliegan una narrativa visual que recrea paisajes internos, donde el espectador no solo contempla, sino que se sumerge en un universo propio. La artista invita a experimentar su obra como un viaje introspectivo, donde cada forma, cada sombra, sugiere un mensaje oculto. En este sentido, sus obras abren un diálogo entre la memoria colectiva y la individual, recordándonos que cada uno de nosotros lleva en su interior un paisaje único.

La Influencia del Entorno Contemporáneo

El contexto contemporáneo, marcado por la aceleraciónn tecnollógica y la pérdida de conexión con la naturaleza, es un hilo conductor en su trabajo. Chacón desafía esta desconexión a través de sus metapaisajes, creando espacios donde el espectador puede redescubrir su propia relación con el entorno. Al integrar elementos de la tradición artística con innovaciones materiales, logra establecer un puente entre lo ancestral y lo moderno, lo natural y lo urbano.

Conclusión: La propuesta de Consuelo Chacón

En última instancia, la obra de Consuelo Chacón no solo redefine el concepto de paisaje en el arte contemporáneo; también nos invita a cuestionar nuestra propia existencia en un mundo en constante cambio. A medida que navegamos por sus metapaisajes, nos encontramos ante la posibilidad de reconstruir nuestras percepciones y reconectar con el entorno que nos rodea. En sus manos, el volumen se convierte en un vehículo para la introspección, la conexión y, sobre todo, la contemplación del ser humano en su esencia más pura.

Patricia Mateo.

La pintura clásica ha sido, a lo largo de la historia del arte, un vehículo de expresión que trasciende el tiempo y las circunstancias. En este contexto, la figura de Patricia Mateo se erige como un referente contemporáneo que utiliza esta técnica tradicional para abordar temáticas relevantes en la sociedad actual. Su obra no solo rinde homenaje a los grandes maestros del pasado, sino que también incorpora una crítica mordaz que invita a la reflexión.

Patricia Mateo se adentra en los estilos y técnicas propias de la pintura clásica, adoptando elementos distintivos como la iluminación, la composición equilibrada y el uso de paletas de colores sobrias. Sin embargo, su enfoque se distingue por la incorporación de elementos modernos y controversiales, que desafían las convenciones establecidas. Así, su trabajo se convierte en un espacio donde la tradición dialoga con las problemáticas contemporáneas, ofreciendo una mirada incisiva sobre la realidad.

A través de sus obras, Mateo aborda temas como la identidad, el machismo y las dinámicas de poder en el ámbito social. Utiliza la ironía y el sarcasmo como herramientas fundamentales, haciendo de cada pieza un comentario crítico y, a menudo, provocador. De este modo, la pintura clásica, en su interpretación, se transforma en un medio potente que no solo captura la atención visual del espectador, sino que también genera un cuestionamiento profundo acerca de las normas y valores de la sociedad contemporánea.

En conclusión, Patricia Mateo emplea la pintura clásica no solo como un retorno estético a los grandes maestros, sino como un sofisticado medio de crítica social. Su obra representa una fusión entre lo antiguo y lo moderno, convirtiéndose en un espejo que refleja las tensiones y contradicciones de nuestro tiempo. A través de su práctica artística, Mateo invita al espectador a participar en un diálogo necesario sobre las complejidades del mundo actual, reafirmando la relevancia de la pintura clásica en el contexto contemporáneo.

Jose Luis López Moral.

La fotografía de paisajes, como una forma de expresión artística, ha sido influenciada por diversas corrientes estéticas a lo largo de su evolución. Entre ellas, el Romanticismo destaca por su enfoque en la naturaleza, la emotividad y la búsqueda de lo sublime. En este contexto, la obra de José Luis López Moral se erige como un ejemplo significativo de cómo el Romanticismo puede ser reinterpretado y comunicado a través de imágenes capturadas.

Un vínculo con el Romanticismo.

José Luis López Moral es un fotógrafo contemporáneo cuyo trabajo se caracteriza por una profunda conexión con los elementos naturales. Su enfoque no solo captura la belleza visual de los paisajes, sino que también se adentra en la esencia de los mismos, evocando sentimientos que resuenan con la sensibilidad romántica. Al igual que los románticos del siglo XIX, López Moral busca transmitir una experiencia emocional a través de sus imágenes, enfatizando la grandeza y la majestuosidad de la naturaleza.

Los románticos valoraban la naturaleza como un refugio frente a la industrialización y la modernidad. De la misma manera, las fotografías de López Moral a menudo retratan escenarios naturales que invitan a la contemplación y a la reflexión. Utiliza luces y sombras de forma magistral para crear atmósferas que evocan la melancolía y el asombro, elementos clave del Romanticismo.

Además, su elección de paisajes remotos y vírgenes se alinea con la búsqueda de lo sublime, un concepto central en la estética romántica. En estas imágenes, el espectador puede sentir tanto la insignificancia del ser humano ante la inmensidad de la naturaleza como el poder transformador de estos entornos.

El impacto emocional de sus Imágenes.

La obra de López Moral no se limita a representar la belleza externa; también busca provocar una respuesta emocional en el espectador. En su fotografía, cada paisaje narrado parece contar una historia, sugiriendo la interacción entre el hombre y la naturaleza. Esta conexión íntima invita a la reflexión sobre el lugar que ocupamos en el mundo, un tema recurrente en la literatura y el arte romántico.

En resumen, José Luis López Moral representa un claro ejemplo de la influencia del Romanticismo en la fotografía de paisajes contemporánea. A través de su obra, logra capturar no solo la belleza del entorno natural, sino también la esencia emocional que lo acompaña. Su enfoque permite al espectador experimentar una conexión profunda con la naturaleza, recordándonos la importancia de apreciar y proteger estos espacios que, al igual que en el Romanticismo, son fuente de inspiración y contemplación.

Fueradcarta.

En el vasto universo del arte contemporáneo, surgen proyectos que no solo desafían los límites de la creatividad, sino que también invitan a la reflexión sobre los espacios que habitamos. “Fueradcarta” es uno de esos proyectos, una colaboración fascinante entre la talentosa Patricia Mateo y el innovador López Moral. Juntos, han decidido explorar el concepto de “tránsito”, un tema que resuena en cada rincón de nuestra vida cotidiana y que se manifiesta en las interacciones humanas, los viajes y las transformaciones.

El Concepto del Tránsito.

“Tránsito” evoca imágenes de movimiento, cambio y transición. En una época donde la rapidez y la inmediatez son norma, este proyecto se sumerge en la esencia misma de lo que significa desplazarse, tanto física como emocionalmente. Patricia Mateo y López Moral, a través de su trabajo conjunto, buscan captar la fragilidad de estos momentos efímeros, creando un diálogo visual que nos invita a detenernos y contemplar.

La Visión de los Artistas

Patricia Mateo, conocida por su enfoque poético y su capacidad de infundir vida a los objetos más simples, aporta a “Fueradcarta” su mirada única sobre el entorno onirico. Su obra invita a cuestionar la percepción del espacio y su transformación constantemente en la vida. Por otro lado, López Moral, es un fotógrafo contemporáneo cuyo trabajo se caracteriza por una profunda conexión con los elementos naturales. Su enfoque no solo captura la belleza visual de los paisajes, sino que también se adentra en la esencia de los mismos, evocando sentimientos que resuenan con la sensibilidad romántica.

Un Viaje Colectivo

“Fueradcarta” no es solo una exposición; es un viaje colectivo. A través de sus obras, los espectadores son parte integral de la experiencia. Cada paso dentro de la sala es un acto de descubrimiento, una invitación a ser parte del tránsito. La obra evoluciona con la audiencia, creando una conexión profunda entre el arte y la vida.

Conclusión

En un mundo donde el movimiento se ha convertido en una constante, “Fueradcarta” nos recuerda la belleza de lo pasajero. Patricia Mateo y López Moral, con su colaboración, nos ofrecen un espacio para reflexionar sobre nuestras propias vidas y los caminos que elegimos tomar. Este proyecto artístico no solo es una celebración del tránsito, sino también un recordatorio de que cada paso, por pequeño que sea, tiene su propio significado y valor.

Invitación al Espectador

Te invitamos a sumergirte en esta experiencia cautivadora, donde el tránsito se convierte en arte y el arte en un espejo de nuestra realidad. “Fueradcarta” te espera para que juntos celebremos el viaje.

Estudio Ángel Marcos :

Ángel Marcos es un artista de proyección internacional nacido en España. Con una carrera artística prolífica y diversa, Ángel Marcos se ha destacado por su obra que abarca fotografía, videoarte e instalación. Su estilo único y enigmático, combinado con una perspectiva crítica y reflexiva, lo ha convertido en una figura relevante en el panorama artístico actual.

Ángel Marcos trabaja la imagen como herramienta de creación, dentro de la cultura de la contemporaneidad. Su trabajo remite insistentemente al punto ciego de Canetti, más allá del cual las cosas han dejado de ser verdaderas. En este más allá de la experiencia moderna es donde el autor sitúa el disparador de su mirada; allí, en el espacio comprendido entre el deseo y la publicidad en tanto que construcción resultante del hecho histórico de haber reemplazado lo real por la seducción, siendo los diferentes poderes (económico, político y religioso) determinantes en la creación del ser deseante.

El artista desarrolla su trabajo sobre proyectos concretos que sirven de enfoque subjetivo para la acción fotográfica. Tal es el caso de Los bienaventurados (1997), La Chute (2000), Alrededor del sueño: New York, Cuba, China, Madrid, Barcelona, El Vaticano (2001-2018), Rastros, (2003), La mar negra (2009), Un coup de dès (2008), Rabo de lagartija, (2010), La mirada blanca (2010, La mirada oculta (2011), La subversión íntima, presentada en la 55º edición de la Bienal de Venecia, Paisajes de resistencia (2021) o Vaivén (2023) entre otros.

En sus proyectos, explícita o implícitamente, aparecen elementos de las relaciones sociales, económicas e históricas – poder, vulnerabilidad, exclusión, emigración- y su reflejo en el medio natural, rural, urbano y sus periferias.

Todos estos proyectos se han mostrado en exposiciones individuales y colectivas en numerosas instituciones nacionales, internacionales y galerías privadas. Sus obras han sido referenciadas por la crítica especializada y han sido objeto de múltiples publicaciones, libros y catálogos.

Las obras de Ángel Marcos se encuentran en reconocidas colecciones y museos como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS. Madrid; el Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM. Valencia; el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM. Vitoria-Gazteiz; el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León MUSAC. León; el Museo Patio Herreriano. Valladolid; Naples Museum of Art Florida. USA; Fonds national d’art contemporain F.N.A.C. y la Maison Européenne de la Photographie en París; The Siemens Foundation. Vienna, Austria; la colección Margulies en Miami o la Fundación Tishman Speyer Rockefeller Center de Nueva York, entre otros.